HISTÓRICO EXPOSICIONES
 desde 2017 hasta la actualidad 

Podemos identificar la cocreación como un nexo conceptual potencialmente unificador en esta selección de obras. Este enfoque resalta la relación simbiótica y dialéctica entre humanos y tecnología: nosotros creamos máquinas que, a su vez, nos reconfiguran, tanto en nuestras emociones como en nuestras identidades.

Las obras funcionan como espacios de negociación y reflexión sobre cómo la tecnología no es simplemente una herramienta pasiva, sino un actor que participa de forma dinámica en la construcción de realidades.

Plásticos, metales, pantallas y reflejos se hibridan con el espacio y conforman un todo. Como en un espejismo o en una persistencia retiniana, las formas respiran, las imágenes digitales iteran y, al menos por un instante dejan entrever algunas capas materiales que las conforman adquieren un cuerpo y se desplazan por el espacio. Se configura un clima ambivalente y extraño del futuro, en el que inevitablemente, quien visita la sala, se vuelve parte de él. 

 

Además, la sinergia entre estas disciplinas puede extenderse más allá de la producción artística en sí misma. La colaboración entre artistas plásticos y escénicos puede dar lugar a experiencias interactivas y multidisciplinarias donde el público se involucra activamente.

GABI GALLEGO - MANUEL GARCÍA CRUZ - JUANMA BENITEZ GRIMA - ESTER PAVÓN - MIGUEL PALENCIA OLAVARRIETA - LOS NÚMEROS IMAGINARIOS Y A.GRAHOVSKY

El conjunto de imágenes sugiere un espectro entre figuración y abstracción, pero la realidad es que la sustancia de la que están compuestas es siempre la misma. Esto plantea un modo de contemplarlas que intenta trascender los motivos y el contenido para centrarse en una realidad física en la que se diluyen y desaparecen.

Esta serie trata sobre mundos desaparecidos o al borde de la extinción cuyo rastro un día hablará de nosotros.
Todas las piezas tienen en común que, al igual que las ruinas, condensan muchos tiempos y significados a la vez. 

No(w)here es un proyecto pictórico en el que Gabi Gallego representa la transformación y los cambios que vive un mismo paisaje a lo largo del tiempo. 
 

MADRID DOS es la continuación de una serie ilimitada de dibujos sobre la ciudad de Madrid, una mirada de pintor a esos lugares que están a la distancia justa para visitar en bicicleta, sitios cercanos a mi hogar o a mi memoria.

Open book será una muestra en la que los artistas presentarán sus recientes proyectos, ideas y procesos de creación que habitan en nidos de discursividad. 

Es un proyecto basado en la activación de la memoria colectiva de diversos episodios de la Guerra Civil y el franquismo a través del lenguaje contemporáneo. 

La obra de Alba Lorente Hernández es un grito de verdad pasivo, que da fe de un proceso de trabajo con la materia misma: en ella no hay un gesto, sino una huella.

Serie Pandemia surgió como necesidad creativa durante el periodo de confinamiento vivido en la pandemia del Covid 19. A través de los retratos quería reflejar el estado físico y emocional que este suceso estaba provocando en el individuo

La exposición  es una crítica a la censura que muchas mujeres y disidencias artistas sufrimos en la redes sociales. Una censura que nos oprime y nos limita. 
 

Cada una de las criaturas que forman mundo CREATURES son resultado de una combinación única y exquisita de objetos, retazos, parte de otras partes, puesto en valor, resignificados y transformados en Arte. 
 

Dicen que la oscuridad es la ausencia de luz y que el exceso de esta, señala un campo de claridad. Envolvente es un recorrido por escenas cotidionanas sobre lo abstracto e invisible de la luz en la búsqueda de la fuerza para tener momentos de entendimiento
 

El nombre de la exposición hace referencia tanto a la densidad y textura de estos dibujos como a un paisaje impenetrable, lugar de transición y de oscuridad, que es también un paisaje interior y un hermético y personal paisaje de referencias e influencias que sirven de base e inspiración a esta serie de imágenes.

Recopilación y muestra de las obras del artista Alexander Grahovsky tras su llegada como artista residente a Navel Art

Diálogo artístico  entre los artistas  Laurent Leger y Alain Funcia en Navel Art
 

Exposición de fotografía escénicade Ángela Ortiz. Recopilación y muestra de sus obras en Navel Art

Ilustraciones y dibujos sobre el mundo imaginario del artista Lou.

 

Siendo la relación intrínseca entre el Hombre y la Naturaleza un vínculo que tiene su origen en la prehistoria, podría decirse del paisaje que es en sí mismo un lenguaje universal en la geografía y en el tiempo.

Diálogo artístico  entre Maria Vioque y Elisa de la Torre en Navel Art

Diálogo entre los artistas Dinara Garcia y ki, una viaje dentro del mundo de la ilustración.

“HERENCIAS” Es una serie de cuadros, donde represento las figurillas de casa de mi abuela a través de esa nueva mirada que describía al principio del texto, esa otra visión de las cosas a través de la madurez o al menos del cambio. 
En estas piezas aflora un universo mediante una sutil yuxtaposición de lenguajes al servicio de una iconografía en la que los objetos recreados y bricolados sirven de fetiche para construir y reconstruir significados en torno a lo vivo y lo vivido.  

Además, la sinergia entre estas disciplinas puede extenderse más allá de la producción artística en sí misma. La colaboración entre artistas plásticos y escénicos puede dar lugar a experiencias interactivas y multidisciplinarias donde el público se involucra activamente.

GABI GALLEGO - MANUEL GARCÍA CRUZ - JUANMA BENITEZ GRIMA - ESTER PAVÓN - MIGUEL PALENCIA OLAVARRIETA - LOS NÚMEROS IMAGINARIOS Y A.GRAHOVSKY

De todos los conceptos que atraviesan “La vida es sueño (el auto sacramental)” la SOMBRA ocupa un lugar fundamental. Esta alegoría es la que comienza el auto primitivo (publicado en 1636) y es, en ambas versiones (también en la más conocida, publicada en 1673), la protagonista, la que desea cambiar la situación establecida por el Poder, que ha decidido casar al “hombre” con la “luz”; la sombra se reivindica y desea ser ella quien domine al hombre y quien, por tal efecto, apague el mundo.

Mi trabajo se sustenta en tres pilares fundamentales. Estos son: la estructura humorística por medio de la cual se componen las imágenes, un glosario de referencias iconográficas personales y la propia pintura como medio por el que es presentado todo ello.

En esta serie de bodegones medicinales el artista explora nuestra relación con las medicinas y las sustancias químicas que consumimos ya sea por necesidad, adicción o sencillamente por sentirnos mejor.

es un propuesta de juego de géneros entre escultura y poesía de Ana Martin Puigpelat.

La pintura de Lidia es un resultado de un proceso de analisis y sintesis de paisajes urbanos. 
 

Con la intención de desmontar una narrativa falaz y, de paso, mostrar la belleza y diversidad de una comunidad que no solo está sino que siempre estuvo.
 

La conexión Madrid, Nueva York, es básica para esta tertulia en la que las orejas son de diferentes tamaños.
Todos nos preguntamos lo que se dicen. Igual es alguna cosa interesante.

Fango es la incomodidad que busco generar con los trabajos. Entiendo esta sensación como una invitación para reflexionar sobre la imagen que tenemos delante; salir de la zona de comfort.

Puntos en común que relacionan dos cuerpos de trabajo diferentes pero que, al mismo tiempo, son capaces de encontrarse en un lenguaje plástico lleno de procesos semejantes que implican la fragmentación y la unión de la materia. 

Gabinete de emergencia, responder coherentemente a esa indisoluble dualidad del individuo artista, y el ser contemporáneo: ser que contempla y expresa el mundo, a través de si mismo y de los otros 

Mi trabajo pictórico parte del ánalisis del paisaje que me rodea. Vivo en un entorno rural en el que predomina el olivar y la huerta, del cual extraigo recursos formales y rítimicos producidos por la ordenación y distribución que el ser humano, la maquinaria agricola y la tecnología ejercen sobre el terreno para su explotación.

TIME & SPACE nace de la necesidad de emprender un proyecto conjunto
expositivo como colectivo independiente dentro de las paredes del espacio
contemporáneo de NAVEL ART. Exposición colectiva de los artistas residentes : Carlos I.Faura, Alexander Grahovsky, Cristina Mur y Fernando V. Mourelo

Algunos de sus trabajos son un compendio de arquitecturas donde éstas no solo  enmarcan sino que parecen proteger a las solitarias figuras. También son entornos vacíos donde el ser toma conciencia de sí mismo y ponen de relieve algunos conceptos antagónicos como vacío/plenitud, luz/oscuridad, armonía/ caos bullicio/ silencio…

Exposición de arte visual de Carla Galmes. Recopilación y muestra de sus obras en Navel Art

Su trabajo explora temas relacionados con la vida ordinaria y el habitar : todo lo que tiene que ver con los cuerpos arquitectónicos y los objetos que construyen relaciones, vivencias, y comportaminetos. 

Recopilación y muestra de las obras del artista Mourelo tras su llegada como artista residente a Navel Art

Tribud se plantea como un ejercicio pictórico de reflexión crítica respecto de la rentabilidad y solvencia icónica de ciertas imágenes (o tipo de imagen) “usadas” y “abusadas” por los medios de comunicación, una vez que -antes- respondieron a la urgencia de gestos subversivos, contestarios o de barricada social y política.

Híbrido de fotografía y pintura de los artistas Yolanda vega y Carlos Chamarro.

Muestra de los trabajos y procesos de los alumnos de cuarto de la universidad UfV

En noviembre 2017, nació nuestro esapacio, Navel Art. Se inauguró con una exposición en colaboración con los artistas de espacio VISTA.